任哲：美术馆观察计划展览将于2019年6月18日至8月23日在上海新美术馆展出。

文/陈旷地

任哲以一个非常独到的视角进行着自己的油画创作：他以中国美术馆亲身见闻的工作场景作为母题，以系列绘画进行描绘。这源于一个契机：任哲既是一位具有敏锐观察力的艺术家，也是一位职业的美术馆工作者。美术馆的工作让他能够接触到我们可以暂且称为“艺术的内面”的存在。对普通观众而言，艺术（在大多时候）是高悬于墙面、标示着“请勿触摸”的神圣存在。但对美术馆工作者来说，艺术可以仅仅是他们工作的对象，是需小心操作的物品。他们工作的终点，往往就是观众审美的起点：经过严肃认真的辛勤劳作，展览就绪准备开幕，他们的工作或许也就结束了，但对观众来说，艺术的大幕此时才刚刚拉开。

美术馆-11 150×200cm 2019年 布面油画

一般来说，观众不会关注美术馆井然有序运行背后的一系列过程——或许很多艺术家也不会关注——而任哲该系列绘画的意义首先就在于挖掘了“艺术的内面”，挖掘了艺术运行体制的日常。艺术运行体制是一个庞大的系统，按照生产、流通、分配和消费的环节，有众多个人和机构在各自位置上推动着整个进程。大众每天接触到的关于艺术的一切，例如读一篇艺术批评，看一个艺术展，参加艺术的讨论，或参加一场艺术拍卖，都是艺术运行体制所产生的终端产品而已，是“艺术的外面”，其顺畅运行完全取决于艺术体制在“内面”的作用。于是，“艺术的内面”也就成为艺术的真实。

美术馆-8 150×200cm 2019年_布面油画

我们常说，艺术的真实，可以是它对于客观物象的如实描绘，也可以是它对于艺术家情绪的真实传递。在任哲的该系列作品中，艺术的第三种真实，即“艺术的内面”的真实，被他以平实的笔调描绘出来。他的作品尽管直接描绘的是自己在美术馆日常工作中所见的场景，但毋宁说作为一个象征，一个寓言而存在。这些局部的、直接的、特写的场景，正象征着那些支撑艺术运行的体制因素。任哲的态度并非批判，也不是质疑，而是如实地去呈现。他的笔触如此自如，他的呈现如此诗意，甚至走向了静观。在这些不动声色的画面中，我们看到的不仅仅是美术馆的工作日常，也一瞥艺术背后的运行流转。展出的作品一方面是写实，是如实呈现艺术家眼里的日常工作，一方面也是自我指涉，它们实际上描绘了自身作为艺术品所置身于其中的艺术体制。这些作品说：“这就是我们已经和将要经历的”。这些作品讲述着自己的故事。

观看联想 130×180cm 2018年 布面油画

所以，最终我们要将任哲该系列作品归结为一种日常性。这个日常性首先是他自己日常生活所见，然后——更重要的——是艺术品自身在传播流通过程中的日常，这是艺术自身的真实。我们在欣赏他自如的笔触和诗意的呈现的时候，也同时被引向了这一往往被忽略的真实。他让我们对艺术展开更深的思考，这是本次展览的意义所在。

景致-2 50×200cm 2019年 布面油画

专家评论：

任哲是一位年轻有为的艺术家。

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美术馆-2 80×100cm 2018年 布面油画

     任哲强调画面的构成与透视的严谨，但并不过分雕琢；他注重刻画并用简练的笔触表现了中国写意画的意象，可见他对中国画的理解和研究；他擅于表现布展过程中的细节，从而发现内在美与体悟形式上的追求；他表现世界博物馆的展陈与观众在公共教育中互动的场景，体现了他对艺术教育的关注与思考。

    任哲可贵之处在于擅于思考与发现。他在身边的事物中寻觅，找到自己表现美的方式并不断发掘与完善。祝贺他取得的成绩并以此做为新的起点更上一层楼。

                                          王明明

                                      2019年6月5日 于北京

美术馆-3_50×40cm 2018年 布面油画

“朗读者”——任哲的油画新作

    我们的生活层层叠叠，下一层紧挨着上一层，以至于我们老是在新鲜的遭际中碰触到过去的旧痕，而过去既非完美无缺也不功成身退，而是活生生地存在于眼前的现实中。

    ——【德】本哈德•施林克《朗读者》

    “朗读者”本是一本德国小说的名字，这部感人至深的小说，被拍成了电影，它所反映的深刻人性，使“朗读者”成为展现一个人灵魂的代名词。中央电视台的“朗读者”节目，主持人正是通过朗读者的语言来和他的灵魂对话，在某种意义上说，朗读者从一个特定的小说角色转化为多种多样带有普遍性的灵魂。在我看来，任哲就是其中一位用灵魂来朗读的人，只不过他的语言是油画，他叙述的是他最熟悉的身边的故事。

美术馆-6_45×50cm 2018年 布面油画

    任哲的作品总是给人以静谧与沉着之感。他的叙事是基于对空间的观看和研究的，尤其是美术馆空间。作为一个美术馆人，任哲始终着迷于对“画中画”的再探索。美术馆是艺术与人共存的特殊场域，作品、空间及空间中的人的关系是任哲新作的主要母题。画面的叙事结构、“朗读”的语言与现实的场域形成某种联系，嵌入每一件画作，作品并非简单地摄取自然的片段，相反，它是画家深思之后的重构。

艺术课-2 200×150cm 2017年 布面油画

    画中画的表现方式，在中西方艺术史中都曾出现，如五代周文矩的《重屛会棋图》和现代傅抱石的《读画图》（又称《洗手图》），都是这方面的佳作。在油画当中，西班牙画家委拉斯贵支的《宫娥》不仅仅是“画中画”，更是通过重构一个叙事空间，凸显了语言的魅力，他甚至把自己也置身于这个重构的空间中，这是高调的“朗读”，展现了一个多么骄傲不屈的灵魂。在中国油画创作中，陈丹青的画中画系列，是对委拉斯贵支的致敬，但在他的作品中，加入了中国“临帖”或“临画”的概念，因此是完全平面性的。

美育的课堂 200×150cm 2017年 布面油画

    任哲作品的“画中画”处理，关系更为复杂，他不满足于在画面中平面地重现画作，而把它置于一个空间场域中。在新作《美术馆》（三联画）中，他分别呈现了徐悲鸿、林风眠、傅抱石这三位中国现代美术史中重要的艺术家的作品。任哲将自己对于艺术史的见解叠加于美术馆的空间假设之中，用不同的环境唤起对于艺术作品的新释读，而这三件作品的并置亦形成一个新的对话空间。这样的空间叙事，是野心勃勃又富有挑战的，任哲大声地读出了他对艺术史、绘画和空间的理解。

一束光 100×80cm 2017年 布面油画

    事实上，生活中的任哲是一位冷静而理性的人，少言寡语，他的画面语言也是沉静而朴素的。这也反映在他有关城市空间表达的作品中——无论是小区、公园还是无名巷陌，任哲以自己冷静的笔调诠释着周围的环境，带着超越模糊的感性。一如作品《初夏》，任哲笔下的街道没有太多的人间情味，灰色的处理和人物的安置是对于城市冷漠气氛的体会和自身状态的反省。

美术馆-7 200×150cm 2019年 布面油画

    任哲作品的基调是古典的，而其观察的视角是现代的。他的博物馆“画中画”系列作品，起点是对空间和光线、秩序与构成的研究，这正如新古典主义画派中的大卫一样；而城市的风景系列是如霍珀一样的对城市生活的考察。任哲画面背后的眼光是理性的，这种理性在里希特等画家的作品中亦时常闪现。在《机场》和《景致3》等近期的作品中，任哲对“透明”投入了更多的关注，在玻璃和镜面之中，在反射与折射之中，艺术家探讨了空间与时间、现实与想象的多重可能。

有松树的风景 130×180cm 2018年 布面油画

    作为一个青年艺术家，任哲的艺术探索已经经历了许多阶段，从最初的写生，到后来的《钢琴》《打字机》的实验阶段；在城市风景题材中，从最初的对物的把握，到今天对于光和氛围的侧重；在美术馆题材中，从最初的场景式叙事，到今天的思辨式虚拟，他就是一个绘画的朗读者，从朗读别人的作品开始，到朗读他自己行止。任哲真正用灵魂在作画。

文/余 丁

2019年6月2日 于美国威斯康辛麦迪逊