艺术热与冷观丨以创新拒绝艺术展览的同质化

　　近来，西方艺术史上的艺术大师密集来到上海。 继“从波提切利到梵高：国家美术馆藏品展”、“西方人物画四百年：东京富士美术馆精选展”、“波提切利与文艺复兴”、“六大大师”之后，世纪：蒂森-博内米萨国立博物馆杰作”等大型特展号称展示了跨越数百年的史诗级艺术珠宝，让观众大饱眼福。

　　但需要做好准备的是，如果接下来的展览都采用这种策展方式，观众的审美疲劳可能在所难免。 我以为这会引发一波又一波的展览热情。 事实上，媒体和观众的普遍反应是，大家似乎都感到一种审美疲劳。 高度的同质化和重复性，导致大量观众逐渐失去了观展热情。

　　很多时候，艺术的体验来自于它的特殊性、陌生性和异质性。 对于中国观众来说，西方古典艺术是一个异质的存在。 好奇心和求知欲是不可避免的，因此往往会引发轰动效应。 然而，好奇心再强，也抵挡不住连续的轰击！ 当异质的东西一次又一次地重复时，它就变成了同质的存在。 因此，当前艺术展览的同质化现象在一定程度上正在透支，慢慢侵蚀着观众对文化艺术的热情和兴趣。

　　上海目前是中国拥有美术馆数量最多的城市，其数量在世界上也是首屈一指的。 那么在美术馆数量不断增加、艺术展览规模越来越庞大的时代，如何避免内卷化越来越严重，避免同质化竞争的出现，就成为当下迫切需要面对的问题。 实际问题。 近期，笔者认为有两个展览案例在策划理念上颇具创新性和启发性，现与大家分享。

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　　上海当代艺术博物馆雷蒙·德·巴东的“现代生活”场景

　　不久前，第八届上海影像艺术博览会（PHOTOFAIRS Shanghai）开幕后的第二天，法国摄影家、电影导演雷蒙德·德巴东在中国的首次大型个展“现代生活”在上海当代艺术博物馆开幕。艺术。 。 如果说，作为一个专注于影像艺术媒体的国际平台，“影像上海艺术博览会”让我们有机会从宏观层面了解和观看当前全球当代影像艺术的发展现状，那么“雷蒙德·德巴顿：现代生活”，让我们有机会从宏观层面了解和观看全球当代影像艺术的发展现状。我们介绍一个具有代表性和影响力的艺术家案例，包括近百幅作品和一部主题影片，以便我们更深入、更具体、微妙地探索和理解当代摄影的发展轨迹和演变。 内部创新。 这种宏观与微观、全景与特写、艺术市场与学术研究的相遇与互补，或许只是巧合，并非两个主办方刻意的安排，但客观上为观众构建了一种层次化、历史性的体验。 语境也具有当下的、现实的观看维度，这无疑拓展了观众对当代影像艺术的观念和视野。

　　文化艺术避免单一化、同质化。 在雷蒙德·德巴东之前，国内摄影界大部分都是法国另一位摄影大师卡地亚·布列松的粉丝和追随者。 20世纪50年代，卡蒂埃-布列松提出“决定性时刻”理论，很快成为欧美乃至世界各地现实主义摄影师和新闻摄影记者遵循的金科玉律和美学经典。 事实上，“决定性时刻”只有将形式、理念、构图、光线、事件等诸多因素完美结合才能实现，这是非常困难的。 这种戏剧性的高光时刻，在日常生活中，在我们漫长的人生中，其实并不多见。 那么我们如何用镜头来面对日常生活中那些平凡、琐碎、缓慢、无力的时刻呢？ 雷蒙德·德巴顿可以说是树立了有效的榜样。 他对法国乡村生活的呈现抛弃了现代都市人所使用的审美过滤器。 它既没有田园诗，也没有陈词滥调，也没有一丝闲适的呻吟。 他避免戏剧化和煽情，也远离奇观。 但恰恰相反，它凸显了生活的品质和工作的思想性。

　　如果说布列松的“决定性时刻”的意义和价值更多地取决于图像本身以及由图像引发的思考。 所以雷蒙德·德巴顿的“软弱时刻”，图像本身只是生活的一个切片，没有太多情节可讲，其意义和价值更多的是作者在图像背后的观念和思考，所以雷蒙德摄影属于当代艺术讨论。 摄影只是他表达思想和情感的工具和媒介。 它的重点不在于图像本身。 从这个意义上来说，雷蒙德的“软弱时刻”可以说是对布列松“决定性时刻”的深刻颠覆和创新。 因此，《雷蒙·德巴东：现代生活》的介绍和推广，实际上呈现了西方录像艺术近半个世纪的发展轨迹和学术脉络，也体现了当代录像文化的包容性、开放性和包容性。 多样性。 对于上海观众来说，相信也会开阔和拓展他们的观看视野。 在这里，博物馆不仅是知识生产的机构，更重要的是作为促进和引领观众自我成长的平台。

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　　西岸美术馆“绘画本源——超现实主义与东方”

　　第二个案例是西岸美术馆与蓬皮杜艺术中心联合推出的“绘画本源——超现实主义与东方”。 与以往“时间的形状”、“万物之声”等简单介绍不同，本次展览在文化艺术的介绍上开始注重本土策略，从而获得了更强的文化认同感和内在意识。引起上海观众的共鸣。 西岸美术馆和蓬皮杜中心的这种本土策略其实从之前的展览《他们与抽象》就已经开始显现。 这一次，它以全新的视角审视西方艺术史上的“超现实主义”。 这场前卫艺术运动希望揭示和呈现这一运动背后东西方文化之间的深层联系。 虽然这样的尝试目前在展览呈现和学术阐述上缺乏深入、严谨、系统的比较研究作为学术支撑，但这样的学术探索和策展理念无疑是创新的，尤其是对于超现实主义而言。 对于它与中国书法的内在影响，已经有比较扎实的学术评述和案例积累。 需要看到的是，展览与观众的期待和主题所宣扬的思想内涵还有一定距离。 包括如何协调两种不同风格的艺术作品的展示，还有很多问题值得讨论。

　　虽然存在一些不尽如人意的方面，但非常值得欣慰的是，西岸美术馆与蓬皮杜中心并没有停留在2019年开馆时的合作模式，而是不断深化和推动交流对话。 ，而这种沟通与对话则体现在展览的主题设置中，呈现在展览的作品构图中。 当然，笔者更期待的是，在未来这样的合作展览中，中国艺术家和艺术品能够改变陪跑者的角色，真正与外国艺术平起平坐。

　　这两个展览案例的启示是：首先，艺术展览的引入并不是单纯为了迎合大众的喜好，而是为了弥补观众视野和知识的不足，不断突破他们原有的审美。和视野，不断激发他们的好奇心和想象力，帮助他们构建更加全面、开放和包容的欣赏维度。

　　其次，艺术展览的策划和引进要强调创意，打造差异化的文化产品和服务。 随着社会的不断发展，我们需要面对的现实是受众群体越来越分层，受众的需求也越来越多元化、个性化。 因此，艺术展览也应该多样化、丰富，才能有效满足观众的需求。 一群蜜蜂的结果只能是双输的局面。 美术馆将无法达到预期的效果，也无法实现艺术展览应有的社会价值和意义。 当然，观众也会提不起兴趣，无法在审美文化层面获得更多的精神滋养。

　　三要高度重视展览设计和制作。 要实现艺术展览水平的质的提升，除了策展创意之外，展览设计和制作也非常关键。 是一个展会精彩的最重要的环节和物质保障。 在“雷蒙德·德巴顿：现代生活”展览中，为了让摄影与电影放映自然有机的结合，主办方对展厅的地面做了很好的规划和设计。 展览创造了一个坡度非常低的斜坡。 当人们观看展览时，脚下的地面逐渐升高。 当它们到达最高点时，它们被巧妙地转变为观看电影的台阶。 “原画——超现实主义与东方”展览将整个展厅划分为许多相对独立、通透的空间，并让几乎每件重要作品都有独立的展墙。 。 这种展览给观众带来的体验是美好的、独特的、令人难忘的。 事实上，它对国内美术馆行业具有标杆和示范作用。

　　应该说，如果我们每个美术馆都有自己的学术定位、社会责任和历史使命，以及不同的发展目标和成长策略，那么就会找到自己的成长空间。 繁荣活跃的都市文化和健康良性的美术馆生态必须是复杂多样、综合性、构成性的存在。 同时，它是一种多声部复调结构。 只有这样的结构才能表达文化意识形态的多样性和丰富性，与不同意识形态形态进行有针对性的对话，引导观众尊重文化艺术的多样性。 ，差异和可能性。

　　很多时候，异质的东西其实是至关重要的。 原因就在于他们与众不同，无可替代，他们带来的新鲜空气能够不断激发观众的好奇心和兴趣。 更重要的是，异质元素往往能够激活我们现有的文化资源和传统。 上海历来以开放包容的海派文化而闻名。 当前，笔者认为，有必要为海派文化注入和拓展更具当代价值的精神内涵和表现形式，使其能够在原有的基础上不断突破现有的壁垒。 不断推动创造更新，从根本上抵制一切形式的同质化、内卷化，确保我们能够顺利走出这样一个纷繁复杂的时代。